О том, как обрела реальные черты эта сказочная история, расскажет нам сам режиссёр-постановщик — Дмитрий Белянушкин.

Девять лет назад, когда спектакль ещё находился в процессе репетиций, мы с постановщиками стали думать, как мы вообще определим его жанр. Его ведь нельзя назвать ни оперой, ни балетом: это нечто синтетическое, вобравшее в себя черты многих театральных жанров. В результате остановились на варианте «музыкальное представление». Это определение подразумевает сочетание элементов как непосредственно оперы, так и театра во всём его многообразии — кукол, балета, театра ярмарочного.

Наш проект объединил трёх совершенно разных композиторов. А также разные эпохи, стили, разные сказки. Поскольку Андерсен не очень «монтируется» со сказками Пушкина или лубочным миром «Байки про лису», нам понадобилось найти связующее звено между всеми сочинениями, некую общую основу. Отсюда родилось место действия — ярмарка. Это мир, где всё возможно. Это стихия, объединяющая самые разные жанры и театры. Вот рядом с палаткой, где торгуют блинами, — театр кукол. Через пару метров кто-то поёт, совсем рядом танцуют, где-то ещё бродит медведь на цепи…

Я прекрасно помню свои детские впечатления от народных гуляний, от уличного балаганного театра. Мой дедушка водил меня на ярмарку в моём родном городе — и как же там было красочно и вкусно! К сожалению, этот мир потихоньку забывается и уходит в небытие. И потому так хочется рассказать об этом мире современным детям, которые, наверное, ничего подобного уже не увидят. Погрузить их в атмосферу простого и какого-то человеческого театра, где нет привычных броских спецэффектов, зато есть тесный контакт со зрителем.

Все произведения мы выстраиваем в своеобразный рассказ о художнике и времени, в котором он живёт. «Гадкий утёнок» — это история о становлении личности. «Байка» Стравинского — это диалог художника с искушением. А «Сказка о попе и работнике его Балде» — это вообще история про художника в чистом виде. Александр Праведников даже специально сочинил эпизоды, которых нет у Пушкина, например, разговор художника Балды с морской стихией. Это история о противоборстве творческого начала и закоснелого взгляда на мир.

В спектакле будет важный лейтмотив — лисий хвост. Этот образ проходит через все истории, в каждой из них появляются хитрые лукавые глазки, каждая так или иначе связана с хвастовством, неискренностью и стремлением получить выгоду. Это ещё одна «взрослая» сторона нашего спектакля. Сказки вообще очень многослойный жанр, в них каждый найдёт для себя смысл — и взрослый, и ребёнок.

Очень важную роль играют артисты миманса, которые предстанут ярмарочными скоморохами. Они у нас и драматические артисты, и танцовщики, и кукольники, и даже реквизиторы и монтировщики. На глазах у зрителя они будут готовить к представлению «уличный» театр. Хору тоже поручена далеко не второстепенная роль, которую он репетирует под руководством хормейстеров Александра Критского и Павла Сучкова. Он выступает рассказчиком событий (например, в «Сказке о попе и работнике его Балде»). Вместе с ним участвует и детская группа Камерной сцены, которой руководит Маргарита Лобырева.

Солисты Камерной сцены, занятые в главных ролях, также выполняют функцию рассказчиков. Безусловно, они принимают участие в действии, но не такое активное, как артисты миманса. Певцы дают действенную интонацию, а миманс — её пластическое выражение. Тут тоже отмечу важное отличие: в сегодняшнем возобновлении всех артистов будет видно, по сравнению со спектаклем 2015 года, когда они были «за спиной» у зрителя.

Балетная составляющая спектакля тоже сочетает разные жанры: модерн, хип-хоп, брейк-данс, классический балет, пластический театр. Всё зависит от ситуации, в которой оказываются герои. К примеру, в начале спектакля движения Гадкого утёнка изломанные и угловатые. Зато после его превращения в лебедя начинается настоящий классический балет — с красивой пластикой рук и совершенно другой подачей корпуса. Рамуне Ходоркайте проделала просто невероятную работу!

Артисты и куклы играют бок о бок. Какого-то специально задуманного противопоставления «живое-неживое» здесь нет — это было бы слишком просто. К примеру, роли Гадкого утёнка и Балды исполняют артисты, а персонажи птичьего двора и поп с попадьёй — это куклы. Мы специально сделали таких кукол, чтобы кукловод тоже был виден аудитории. Ведь артист, который управляет куклой, вместе с ней отыгрывает её реакции и ощущения. Мы видим его отношение к ней и другим персонажам. К тому же (и это подтвердит любой кукловод), каждая кукла одухотворена человеком, который с ней работает.

Наш художник по свету, Елена Копунова, создала богатую световую партитуру спектакля, «раскрасив» Камерную сцену яркими отблесками и красочными переливами. Сценограф и художник по костюмам, Александр Арефьев и Мария Чернышёва, придумали очень занятное пространство, которое даёт это ощущение стихийного театра. Буквально на глазах у зрителя его достраивают, доделывают, что-то ремонтируют, доносят реквизит. Они нашли очень интересную технологию производства. Костюмы и декорации у нас получаются совсем не «с иголочки»: наоборот, возникает ощущение, что театр создаётся из подручных материалов, а куклы уже не один десяток лет не сходят с подмостков. Наш театр — простой, в хорошем смысле этого слова, такой, каким он мог быть сто-двести лет назад.

Но не забудем о самом главном — о том, что наше представление — музыкальное. Музыка в нём собрана замечательная, что предстоит донести до слушателя нашему оркестру под управлением Алексея Верещагина. У нас запланировано и одно значительное музыкальное новшество: «Гадкий утёнок» Прокофьева будет исполняться в оркестровой редакции — в отличие от фортепианного сопровождения, которое было на премьере.

Этот спектакль нацелен на самую благодарную и отзывчивую аудиторию — на детей. Но и родителей не стоит «сбрасывать со счетов»: у них будет замечательная возможность окунуться в мир детства, ярмарки, праздника, получить заряд позитивных эмоций, которых зачастую так не хватает. Иногда ведь так приятно забыть про то, как важно быть серьёзным, и хотя бы полтора часа побыть ребёнком. И, может быть, даже стать немного моложе душой.

Премьерная серия представлений пройдёт 17, 18, 19 (14:00 и 18:00), 20 (14:00) октября на Камерной сцене Большого театра.

Экскурс в историю

Открывает спектакль «Гадкий утёнок» (1914). Совсем ещё молодой тогда Сергей Прокофьев хотел написать по мотивам знаменитой андерсеновской истории … романс (точнее, «не «романс», а «портрет»), но почти сразу стало ясно, что «Утенок» выходит за рамки этого жанра. Эта вокальная сказка стала прологом к будущим операм Прокофьева. Сам композитор писал в дневнике: «Сочинял с удовольствием. Это мой стиль — и он найдёт воплощение в опере, которую я напишу. <…> Этот стиль — новый в моих сочинениях. Но он назревает уже больше года. Идея пришла полтора года назад в Лондоне, во время слушания сцены в корчме из ”Бориса Годунова”». Музыкальный язык «Утёнка» необычайно выразительный и театральный. В этой музыке отчётливо различимы и гомон птичьего двора, и завывание ветра, и выстрелы охотников, и плеск волн.

Премьера сочинения состоялась в январе 1915 году в Малом зале Московской консерватории. Сочинение было благосклонно принято даже теми критиками, которые совсем недавно были настроены против Прокофьева. Те же, кто его поддерживал, и вовсе не скупились на похвалы, как, например, Борис Асафьев: «Гадкий утёнок» Прокофьева — восторг! Свежо, ярко и убедительно. Это — перл среди снотворной музыки, преподнесённой «современниками», «опять Прокофьев … оказался куда выше всех кропателей. Ну, послушали бы вы этих «современников»: ведь тоска, скука серая! … И вдруг слышишь музыку, подлинную, искреннюю, светлую, радостную: как же не откликнуться! И как же не долбить направо и налево, что надежда наша в Прокофьеве».

«Байка про лису, петуха, кота да барана» И. Стравинского — «весёлое представление с пением и музыкой» — сочинялась в разгар Первой мировой войны, в 1916 году. В «Хронике моей жизни» композитор пишет: «Военные известия глубоко волновали меня, бередили мои патриотические чувства. Мне было тяжело находиться в такое время вдали от Родины, и только чтение русской народной поэзии, в которое я погрузился, утешало меня и приносило радость. В стихах этих меня прельщали не столько занимательность сюжетов, полнокровных, нередко даже грубоватых, или эпитеты и метафоры, всегда восхитительно неожиданные, сколько сочетание слов и слогов, то есть чисто звуковая сторона, которая производит на наше чувственное восприятие впечатление, близкое к музыкальному».

Именно в этот период Стравинский сочиняет свои «русские» произведения: «Прибаутки», «Кошачьи колыбельные», «Свадебку», Четыре хора a capella для женских голосов. Сюжет «Байки» взят из фольклорного сборника А. Афанасьева, где Лиса является главным действующим лицом многих сказок, и текст либретто составлен из фрагментов разных сказок. «Музыка “Байки” начинается с её стиха. Я открыл новую — для меня — технику, уже сочиняя песни на русские народные тексты. …Музыка сочинялась быстро… Я сам составил план сценической постановки, заботясь о том, чтобы “Байку” не принимали за оперу. Актёрами должны быть танцовщики-акробаты, и певцы не должны были отождествляться с ними. “Байка” не нуждается в символических обертонах. Это … сказка и ничего более».

«Байка» связана с традициями русского лубочного театра и в то же время апеллирует к европейскому средневековому театру. Музыка её остроумна, гротескна. Необычен и состав инструментов: струнные и духовые группы представлены одним инструментом, состав ударных расширен, и очень важную роль играет экзотический инструмент, совершенно очаровавший Стравинского, — венгерские цимбалы.

Впервые «Байку» представил Русский балет Дягилева (хореограф Б. Нижинская, художник М. Ларионов, дирижёр Э. Ансерме). Премьера состоялась 18 мая 1922 года на сцене Парижской оперы.

«Сказка о попе и работнике его Балде» написана в 2000-01 годах. По словам Александра Праведникова, создавая её, он тоже пытался найти некий новый музыкальный язык — язык нового века.

Музыка «Сказки» очень театральна. Композитор ведёт интересный диалог и с Прокофьевым, и со Стравинским. Неслучайно он сам предложил именно такую программу. Постановщики как будто перекидывают мост через двадцатый век в современность.

Перед Александром Праведниковым стояла ответственная задача выстроить общее здание спектакля. И он решил сделать связки, чтобы не возникало ощущения, что это просто набор составленных вместе опусов. Таким образом, он стал ещё и автором интермедий, которые можно рассматривать как некий своеобразный инструментальный театр.